The Old Reader

02 Nov 22:29

Coca-Cola | Magic Pills

by lovecolors

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02 Nov 22:25

Francisco Eppens, el artista plástico que rediseñó el Escudo Nacional.

by Benjamín Arredondo

De pronto nos vamos encontrando con más y más artistas plásticos mexicanos que desarrollaron ese Arte Repúblicano que caracterizó a nuestro país a lo largo de la década de los treinta y que se tradujo en algo que creo se llama Arte Revolucionario, entendiendo por Revolución a la influencia que en las artes plásticas europeas se manifestó en lo que allá estaba sucediendo en la etapa conocida como la pre guerra o entreguerras. En Europa los cartelones, dibujos y anuncios propagandísticos del nacionalsocialismo, del comunismo y del fascismo se desarrollaban continuamente, al poco llegaron a México y aquí se llenaron de color y de formas alusivas a la vida nacional.

Muchas veces asociamos a Rivera con todo aquello que incluya alcatraces, sin duda que fue él quién comenzó a identificarlos con un nacionalismo, pero hubo otros que también brillaron con su obra haciendo uso del tema nacionalista, esto que ahora vemos fue pintado por el potosino Francisco Eppens que más que ser influenciado, él influenció y marcó una época en las artes plásticas de nuestro país, logrando un sello propio, característico, único y verdaderamente fantástico en sus dibujos que fueron, más adelante, impresos en los Timbres para el pago de contribuciones y derechos y, luego, en Sellos Postales que son auténticas obras de arte. Vamos por partes.

Tenemos aquí dos ejemplos, de los años treinta, uno de 25 centavos, el otro de 5; en ambos se manifiesta la idea que entonces había (tiempos de Lázaro Cárdenas) de impulsar las comunicaciones terrestres en la península de Yucatán, más específicamente en el aun Territorio de Quintana Roo, las carreteras (en el de 25 centavos) y los ferrocarriles, (en el de 5 centavos). Efectivamente, ya desde entonces había la idea de construir una vía férrea entre Campeche y Chetumal, ahora sabemos que en la actualidad se quiere construir una entre Mérida y Playa del Carmen.

En los treinta sucedían varias cosas en México, había ya concluido el poder que ejerció el llamado "consumador de la Revolución", Plutarco Elías Calles. Se vivía una calma chicha en las relaciones estado-iglesia luego del agresivo enfrentamiento que hubo a lo largo de los años veinte que conocemos como Guerra Cristera. Se daba el movimiento de expropiación de bienes, primero con las Haciendas a lo largo y ancho del país, lo cual trajo por consecuencia el Reparto Agrario, y la expropiación petrolera. De todo esto el arte no era ajeno, Eppens lo manifestaba así en sus dibujos.

Centrales obreras y centrales campesinas comenzaban a crecer, las ideas del socialismo y/o comunismo permeaban ya la mentalidad mexicana, Eppens las manifestaba en los dibujos que aparecían en la Revista de los Trabajadores, Lux, en sus ediciones de los años treinta.

Al inicio de la década de los cuarenta, el fantasma de la guerra azolaba a todo el mundo y la palabra Victoria era imprescindible en todo anuncio que un gobierno a favor de la paz, como lo era México; en él se manifestaba por un lado la fiereza de la patria que no participando en la guerra, muy por el contrario, en la paz y era esa paz la que acá se vivía, que se usaba para promocionar turísticamente a nuestro país. Este es un póster en el que el Departamento de Turismo y la Asociación Mexicana del Turismo publicaron haciendo uso de uno de los estupendos dibujos de Eppens.

Pero hubo algo en lo que Eppens destacó, fue maestro y dio pie a la creación de una verdadera escuela de dibujo enfocada específicamente al diseño de Sellos Postales de los cuales hay soberbias muestras en la filatelia mexicana, como es el caso del emitido el 1 de diciembre de 1940, día de la toma de posesión de la Presidencia de la República por Manuel Ávila Camacho. Eppen lo interpreta como la toma del timón de mando de la nave que se llama México.

Eppen llega a ser tan importante en lo relacionado al dibujo específico para estampillas o sellos postales que le es permitido firmar sus obras, mismas que las podemos ver en alguno de los ángulos , como en este caso, en el inferior izquierdo. Aquí notamos que, siendo 1949 se notaba apenas un dejo de Noveau y Decó que había sido ya transformado a un estilo Republicano de gran nacionalismo. Los siguientes son Timbres, esos que se usaban para el pago de derechos y contribuciones, en ellos observamos el lápiz de Eppen aunque, a diferencia de los Sellos Postales, no aparece su firma.

Dibujante y pintor. Ahora lo veremos como muralista. Quizá lo más conocido de él, por así decirlo porque su nombre no es del todo conocido, pero sí muy conocido es este diseño que realizó para ser colocado con mosaicos del tipo veneciano, hechos en Cuernavaca en el edificio de Medicina de la UNAM, con esto lo que estamos viendo es que, dentro de la producción de Eppens, hay algo que está dentro del catálogo del Patrimonio de la Humanidad.

Tú que lees El Bable llegas aquí porque te gusta el arte de México, la Historia de México, la cultura de México y, si a estos tres conceptos los integramos en uno solo: la cosa de los símbolos y sus significados, aunados a la cosmogonía de nuestros ancestrales aztecas, nos da por resultado un impresionante concepto desarrollado por Eppens en este mura de la Facultad de Medicina de la UNAM. Te invito a leer este artículo en donde nos da una puntual interpretación a la obra de Eppens.

Esta es la firma del maestro Eppens; él siempre tuvo a bien firmar su obra.

Y ya para concluir pasamos al tema medular. La obra más conocida de Eppens de la que más bien pocos saben que él es el autor, me refiero al escudo nacional; solo que, antes de que imagines cualquier cosa, vamos por partes.

A mediados de la tercera década del siglo XX, digamos que 1925, la correspondencia oficial llevaba, como lo sigue llevando en nuestros días, el Escudo Nacional, éste era, como marcaba la época, un poco barroco, más que estilizado, pues se le daba el fondo y la dimensión a las pencas del nopal, a las plumas del águila, incluso a la actitud de la serpiente es más caricaturesca. El tipo de letra usado es también uno muy distinto al que luego se implementaría, cuando entra, justo, el Arte Republicano.

Para los años cuarenta vemos que esa estilización se comienza a dar, la letra es la que ya está de moda, haciendo la O un poco más pequeña que el resto de las letras. Las plumas del águila se van definiendo más, se busca un solo trazo, algo más sencillo. Habrá que notar que en este ejemplo, a cada lado de México D.F. aparece el símbolo de la atadura de los años, el que se usaba en las ceremonias del fuego nuevo en el cerro de la Estrella. Por cierto, si lo tuyo es el diseño y eres buen observador, recordarás que ese diseño fue en el que se basaron los artistas de Carlos Salinas de Gortari para hacer su emblema de Solidaridad que vemos por muchas autopistas del país.

En los años cincuenta el Escudo Nacional seguía siendo el mismo, pocos, o nulos ajustes se habían dado, Eppens seguía produciendo dibujos para estampillas o Sellos Postales.

Para la década de los años sesenta el Escudo Nacional había evolucionado ligeramente, en realidad solo la tipografía cambió pero el dibujo del águila era el mismo y fue precisamente cuando, Luis Echeverría Álvarez, Secretario entonces de Gobernación, solicita al artista potosino Francisco Eppens la realización del nuevo Escudo Nacional, es decir, la adecuación a un diseño moderno y de fácil reproducción.

Y fue entonces que don Francisco Eppens ejecuta el rediseño y adecuación del emblema que todos los mexicanos conocemos muy bien. Nuestro Escudo Nacional.

Pero... shit happens, como dicen en Estados Unidos, y llegó Vicente Fox en ese cambio de milenio, año 2000 y de un plumazo mandó borrar poco más de la mitad del Escudo Nacional y comenzó esa que bien podemos denominar como leyenda urbana del "Águila Mocha".

Terminado el sexenio de Fox se recuperó el diseño de Francisco Eppens, obra de la cual no creo necesario hacer más comentario, solamente reconocer fue él quien nos dejó una obra tan importante, como lo es el Escudo Nacional, pero siempre tendremos en cuenta que su obra fue vasta, abundante y variada.

"En 1935, el joven Francisco Eppens, de veintidós años, ingresa a los TIEV, entonces ubicados en el Palacio Nacional. Desde entonces diseñó las estampillas postales y timbres fiscales con los motivos que le señalaban, inspirados en los lineamientos y programas de la dependencia estatal; por ello constituyen una crónica visual que da cuenta de la gestión gubernamental de Lázaro Cárdenas del Río, Manuel Ávila Camacho y Miguel Alemán Valdés". Para seguir leyendo este artículo entra aquí.

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02 Nov 22:22

Y así, niños, es como se enrolla un cable

by wicho@microsiervos.com (Wicho)

How to Coil Cables es un vídeo –está en inglés pero da igual– que enseña un par de técnicas para enrollar cables de todo tipo de tal forma que no se enreden cuando los quieras desenrollar y, sobre todo, para no forzarlos de tal forma que no vayan a fallar justo cuando más los necesitas.

Una habilidad básica que todo geek que se precie debe dominar.

(Vía Wired).

# Enlace Permanente

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02 Nov 22:08

The Old Reader permanece abierto gracias a una “entidad corporativa” anónima

Con la muerte de Google Reader surgieron muchas alternativas dispuestas a sustituirle. Una de las más importantes, The Old Reader, hace unos días anunciaba su cierre desbordada por los nuevos usuarios. Ahora, gracias a una "entidad corporativa" anónima, revive y anuncia mejoras.

Sólo han pasado un par de días desde que The Old Reader anunciaba que cerraría su versión pública al verse desbordados por la cantidad de cuentas que se estaban activando. Y apareció el milagro: The Old Reader permanece abierto al público gracias a un equipo más grande y "significativamente más" recursos, las dos cosas gracias a una "entidad corporativa" estadounidense.

La muerte de Google Reader a principios del mes de julio supuso un drama para todos los que éramos usuarios de la plataforma. Rápidamente surgieron algunas alternativas dispuestas a reemplazar el servicio de Google. The Old reader, junto a Feedly, fue una de las plataformas que más usuarios arrastró y ese fue, al parecer, uno de los motivos que propició la noticia de su cierre.

Se desconocen los detalles sobre esa "entidad corporativa" generosa, lo único que se sabe es que fue anunciado por un tal "Ben Wolf", quien promete que su equipo está compuesto por "grandes fans y usuarios" de The Old Reader, los cuales quieren ayudar a que "crezca y mejore" en los próximos años. Esas mejoras podrían empezar a conocerse en las próximas semanas.

Es una buena noticia para todos los usuarios de la plataforma. La verdad, cuando se anunció la muerte de Google Reader empecé a buscar un reemplazo y The Old Reader fue una de las alternativas que rápidamente captó mi atención. Su interfaz minimalista la hace muy agradable e ideal para evitar distracciones mientras consultas las novedades de tus RSS favoritos. Lo que hizo que finalmente me decantara por Feedly fue que ofrecía un proceso de migración desde Google Reader muy sencillo, y sobre todo, su presencia en aplicaciones de terceros. Esperemos que el nuevo equipo y los recursos que ahora están destinados a The Old Reader ayuden a que ésta se conecte con más aplicaciones y servicios, convirtiéndola así en una candidata a competir contra Feedly.

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02 Nov 22:04

¡Han pagado 34 millones de euros por un cuadro abstracto!

by Pedro Torrijos

… y otras obras de arte que podría hacer mi sobrino de siete años

Barnett Newman. Onement VI (1953).

(English version)

¿Qué les parece esta cosa que hay aquí encima? Una chorrada, ¿no es cierto? Pues se van a indignar cuando sepan que el pasado 14 de mayo alguien pagó por ella la bonita cifra de 34 millones de euros. Ojo, que en la Sotheby’s de Nueva York la describían ni más ni menos como «un portal hacia lo sublime». Vamos no me jodas, si es un cuadrado azul oscuro con una raya azul claro en el medio. Esta gente del arte contemporáneo vive engañada, está claro. A ver, si es que ese cuadro lo podría pintar un niño pequeño, ¿verdad?

No.

No lo podría hacer ni un niño pequeño ni ustedes. Ni siquiera un pintor competente sin antes haber pasado por el proceso de investigación creativo que desembocó en este cuadro concreto. Como mucho, podría copiarlo.

Es curioso, pero solemos sentir una profunda irritación cuando conocemos las cantidades por las que se venden algunas obras de arte. Y ahí reside uno de los principales problemas: equiparar el valor o la importancia de un objeto artístico a su precio de mercado es una aberración intelectual y una equivocación en la base del planteamiento, porque los criterios que rigen el mercado del arte son distintos a los de la propia calidad artística. De hecho, a menudo son completamente independientes y se mueven por factores más próximos a los de la especulación inmobiliaria o bursátil.

Además, esa misma indignación que sentimos no parece ser tan fuerte cuando sabemos, por ejemplo, que la compra de Cristiano Ronaldo ascendió a 96 millones de euros. Seguramente me dirán que Ronaldo es una persona especial, un futbolista único; que lanza knuckleballs con los pies, que corre como un velocista y que posee una técnica portentosa. En definitiva, que hace cosas que no podrían hacer ustedes ni posiblemente el resto de los mortales.

Bien, déjenme que les ponga otro ejemplo al respecto:

Fácil de copiar, imposible de hacer. Guti, con un sencillísimo taconazo, convierte un uno contra uno en un uno contra cero. Hace algo que nadie ha hecho antes, algo que nadie se ha atrevido siquiera a pensar antes. Empuja los límites del fútbol, empuja los bordes de su mundo.

Con un sencillísimo taconazo.

Porque de eso precisamente va toda esta cosa del arte, de empujar los bordes del mundo. Y no será porque el arte no tenga mil y una definiciones: la de Tomás de Aquino («El arte es el recto ordenamiento de la razón»), la de Adolf Loos («el arte es la libertad del genio»), o la de Jean Dubuffet («el arte es la novedad»); pero yo no sé cuál de ellas es la más válida, o si lo son todas. Tampoco sé si elevar algo a la categoría de «arte», efectivamente, lo eleva; esto es, si un objeto artístico es inherentemente mejor que uno mundano. Ni siquiera sé si el arte y la belleza, tan estrechamente unidos a lo largo de los eones de la historia, son dependientes, interdependientes o independientes.

Lo que sí sé es que Donald Kuspit se equivocaba cuando, en El fin del arte dijo que «vivimos en una época superficial y pasiva, resultado de la disolución del arte en la vida». Y también sé que Clement Greenberg, aunque fue abogado de ese fin del arte como motor de la cultura, acertó al afirmar que «Te gusta, eso es todo, sea abstracto o un paisaje. Te gusta. Te golpea. No tienes que leerlo». Y que Arthur Danto tenía razón cuando se negó a aceptar el fin del arte y así tituló su más conocido ensayo: Después del fin del arte.

Quizá yo estoy más de acuerdo con la aproximación objetual de Greenberg que con la de Danto, que, de alguna manera, justificaba la cualidad artística según la definición que le daba el artista como tal; pero, desde luego, me apunto a su visión optimista de la actualidad del arte. Porque sé que hay muchísimas personas que están trabajando en mirar a la realidad, con ojos quirúrgicos y telescópicos, para después ofrecernos una respuesta a ese mundo; sea conceptual, plástica, estética, contestataria o reivindicativa. Y el mundo que nos devuelven es un mundo que no conocíamos antes.

Porque de eso precisamente va toda esta cosa del arte, de empujar los bordes del mundo.

Porque si bien es cierto que necesitamos a todas esas personas que mantienen el mundo en marcha, que revisan la maquinaria y reparan los engranajes; también necesitamos a los motores que nos llevan y nos conducen más allá. A veces con precisión, a veces a ciegas, pero siempre por rutas desconocidas. Porque estos hombres y mujeres que traspasan los límites son los que amplían nuestra realidad, si nos atrevemos a mirar a través de su trabajo. A través de sus telas de gallinero y sus ordenadores y sus piezas de madera y sus bolsas de plástico y sus piedras preciosas y sus cámaras fotográficas. A través de sus ojos. Acercándonos a ellos comprobamos que nos están construyendo una existencia más grande; una existencia mejor. Y que sin ellos empujando en todas direcciones, esa carpa de circo que es el mundo se nos caería encima.

Yo les voy a enseñar algunas obras de artistas que, ahora —en este preciso momento, mientras yo escribo estas líneas y ustedes las leen—, están empujando los bordes del mundo. Del suyo y del mío. Y como confío en ustedes, no voy a entrar en desarrollos sobre el proceso creativo de cada una, o las posibles explicaciones o metáforas que puedan esconder; apenas una breve descripción de ellas y sus creadores, para que así saquen sus propias conclusiones, si las sacan o creen que deben sacarlas. Solo un requisito: les pido que se acerquen con la experiencia —esta vez sí— de un niño pequeño, con la mirada de un bebé que descubre el mundo cada día. Con los ojos limpios y el corazón lleno, no pueden perder.

Time Stack. Matt Molloy. 2012-2013

El fotógrafo canadiense Matt Molloy emplea una técnica enormemente sencilla basada en el multidisparo y el conocido efecto time-lapse. Después superpone digitalmente las imágenes tomadas —a menudo más de 100—, capturando así ese efecto de tiempo apilado con el que nombra a esta serie de fotografías. La impresión que generan los objetos inherentemente móviles, congelados en escorzo temporal sobre los paisajes estáticos, es formidable y sobrecogedora.

The Phoenix is closer than it appears. Thilo Frank. 2010

Fotos cortesía de Studio Thilo Frank.

Artista alemán afincado en Berlín, Thilo Frank trabaja habitualmente con la luz, el movimiento y sus propiedades combinadas. Para esta instalación construyó una caja de 8 x 4 x 4m enteramente recubierta de espejos tanto en el exterior como en el interior. Por fuera prácticamente no aparece; es un parpadeo, una vibración casi invisible. Por dentro es el infinito. Y aún más, es un infinito que, con los pies colgando del columpio, nos resulta tan inabarcable como inalcanzable.

La instalación estuvo expuesta en el Museo de Arte Moderno KUNSTEN de Dinamarca en 2011, si bien este mismo año ha presentado una obra similar en la Bienal de Sharjah, en los Emiratos Árabes: la Infinity Rock.

Starry Night. Lee Eunyeol. 2012

¿Qué es eso? ¿Qué son esas luces? ¿Es polvo de hada? ¿Son estrellas caídas? ¿Son innumerables luciérnagas refugiándose del calor del desierto?

Son lámparas de LED y cable de fibra óptica entre las grietas de un lecho fluvial seco. Pero a lo mejor es también todo lo demás y todo lo que es capaz de evocar y que no somos capaces de verbalizar. El fotógrafo surcoreano Lee Eunyeol llamó a esta serie Noche Estrellada y no hizo ninguna de las analogías, algo ingenuas, que yo acabo de hacer. Quizá no las necesite.

Clones. Erdal Inci. 2013.

Al igual que Matt Molloy, Erdal Inci trabaja con las posibilidades del time-lapse. Sin embargo, el medio que emplea el artista turco es distinto, nuevo y en gran medida inexplorado; el gif animado.

Exacto, la pieza artística es la imagen en movimiento que están viendo. No es un resultado ni un resumen; es, literalmente, lo que es. No sé ustedes, pero yo tengo la abrumadora sensación de estar asistiendo al nacimiento de algo potencialmente colosal, a un universo de posibilidades inagotables, a través de las pupilas curiosas de un creador delicado, pulcro y extremadamente preciso.

Para la serie Clones, Inci funde y yuxtapone decenas de microvídeos en un bucle eterno, transformando situaciones mundanas y lugares conocidos —plazas, parques, carreteras, habitaciones— en espacios hipnóticos y misteriosos.

Obliteration Room. Yayoi Kusama. 2002-2012

Esta vez sí. Esta Habitación Arrasada sí que podría hacerla mi sobrino de siete años, y el de tres, y la de once. Y ustedes o yo. Porque está realizada precisamente por niños de todas las edades, incluso niños de edades adultas. Al menos en parte.

La artista japonesa Yayoi Kusama no concibe esta obra como un objeto terminado, sino como una entidad colaborativa de resultado aparentemente incierto. Por eso considero más interesante mostrarles el vídeo de su proceso que el resultado final. En él podemos ver como la habitación imposiblemente blanca del inicio va transformándose progresivamente en un espacio aún más imposible, si cabe. A los visitantes se les entregaron varias pegatinas de colores, pidiéndoles que las colocaran libremente sobre cualquier punto de la habitación. Cualquiera que deseasen: paredes, suelo, techos, muebles, tazas, cojines. Aunque el vídeo pertenece a la versión que se expuso en la Tate Modern de Londres en 2012, el exordio de la obra se concibió para la Queensland Art Gallery en 2002, y sus visitantes eran exclusivamente niños.

Es curioso que Kusama sea la artista de este artículo con más atención directa a los niños, sobre todo cuando sabemos que la autora de Nagano acaba de cumplir 84 años. Los ojos no conocen de edades, solo saben estar cerrados o abiertos.

One Hundred and Eight. Nils Völker. 2010

Esta obra se compone, efectivamente, de 108 bolsas de plástico conectadas a 108 ventiladores en una matriz de 12 x 9. Una serie de algoritmos informáticos activan estos ventiladores generando una fluctuación y un bamboleo de las bolsas en su proceso de hinchado y deshinchado, dando así vida a una protocriatura alienígena pulmonar y multiforme. Para su descripción, el artista alemán Nils Völker dijo que «no hay detrás ningún mensaje oculto, tan solo pensé que sería bonito». A lo mejor ustedes encuentran alguno.

El propio autor hizo una nueva versión de esta instalación en el que un sistema de sensores activaba los ventiladores en función de la proximidad o el movimiento del espectador. El resultado es algo más intelectual, aunque a mí me parece menos brillante.

Compeshitstem: The New Deal. Phoebe Washburn. 2009

Foto cortesía de Stefan Koch.

Por el contrario, la escultora norteamericana Phoebe Washburn siempre dota a sus obras de un profundo contenido moral y sociológico, a menudo aludiendo a la transformación del medio ambiente por la destructiva acción del hombre. Para ello, en sus instalaciones suele emplear objetos cotidianos y frecuentemente de deshecho, que reutiliza con libertad, generando una suerte de ásperas arquitecturas efímeras. Fragmentos de cajas de embalaje, entablados, botellas de plástico, piedras y tubos se agrupan en suelos y paramentos que son a la vez rugosos e intensamente locuaces

Sin embargo, a mí me interesa más el producto artístico final y el proceso físico de su construcción, puesto que las piezas de Washburn se conciben y se levantan ex profeso para el espacio en el que se van a exhibir. Compeshitstem: The New Deal se expuso en una de las salas más interesantes del Kestnergesellschaft de Hanóver, y en este vídeo podemos ver tanto la evolución de su levantamiento como los cambios que generaba la luz al incidir sobre la instalación, a medida que avanzaba el día y el sol.

Scattered Crowd. William Forsythe. 2002-2013

William Forsythe es bailarín y coreógrafo, y entre sus trabajos hay un apartado al que denomina objetos coreográficos. Esta Multitud Dispersa es uno de los más significativos: miles de globos blancos colgados a distintas alturas que pueden —y deben— ser recorridos, tocados y contemplados por entre sus cesuras e intermitencias.

Esta instalación lleva más de diez años recorriendo el mundo, desde galerías de arte hasta estaciones de tren o lobbies de hotel. Las fotografías hacen justicia, sin duda, pero creo que para entender verdaderamente la experiencia se debería acudir a alguno de los lugares donde se presenta. O al menos ver este vídeo que, entre otras cosas, incluye la música que Ekkehard Ehlers compuso especialmente para la obra.

Cloud. Caitlind r.c. Brown y Wayne Garrett. 2012

Foto cortesía de Doug Wong.

Una nube construida con cientos de bombillas. Nuevas y usadas, rotas y en funcionamiento. Y los visitantes tiran de las cuerdas que cuelgan para encenderlas y apagarlas. Para jugar bajo una lluvia divertida e imposible.

Los artistas canadienses Caitlind r.c. Brown y Wayne Garrett estrenaron esta instalación para la «Noche en blanco» de Calgary, pero después han realizado versiones de la misma en Moscú y en el Progress Bar de Chicago, donde sustituyen las cuerdas por unos detectores de presencia que reconocen al visitante que camina, se sienta o toma una cerveza bajo ella.

Unwoven Light. Soo Sunny Park. 2013

Fotos cortesía de Nash Baker.

Soo Sunny Park siempre ha trabajado con el espacio. Mediante el añadido de objetos y superficies, la escultora surcoreana afincada en Estados Unidos desde niña, explora las posibilidades de transformación del espacio sin necesidad de modificarlo físicamente. Sin necesidad de tocarlo.

En Unwoven Light nos descubre una de las entidades más poderosas a la hora de ejecutar esta alteración espacial. Es la luz, claro. Físicamente, la instalación no es más que malla metálica de la que se usa en las cercas de los gallineros, a la que se cosen pequeñas piezas de metacrilato coloreado y traslúcido. Pero es la luz, son los fotones eléctricos que salieron de los focos de la galería, antes herméticos e impasibles, los que, al atravesar el tamiz multicromo, se criban y se descosen y se disparan en todas direcciones, empujando el espacio, y tal vez el mundo, de manera irreversible.

Ahora acérquense a ellos, no tengan miedo:

Caitlind r.c. Brown y Wayne Garrett

Soo Sunny Park

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02 Nov 21:48

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02 Nov 21:46

Fun for Kids of All Ages

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02 Nov 20:52

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by joventrunks

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02 Nov 20:52

Julio César y África, de la caída a la gloria

by Manuel Jesus Prieto Martín

Julio César, por Nicolas Coustou

Hay que reconocer que caerse en público es a menudo más dañino por la vergüenza que pasa el que aterriza, siempre que no sea la caída nada serio, que por otra cosa. Y es que es complicado salir airoso de esos momentos, y más cuando el que tropieza es un hombre importante, el centro de todas las miradas y está en un momento de cierta solemnidad.

Así le pasó a Julio César al llegar a África. Bajando del barco en el que había llegado dio un mal paso y acabó con sus huesos en el suelo. César era un hombre importante y aquel no era un momento cualquiera, por lo que era imposible que la caída pasara desapercibida. Pero el romano sacó su ingenio a relucir y lo que podría haber sido una situación embarazosa se tornó en todo lo contrario. Es más, el hecho quizás hasta podría haberse tomado como un mal presagio, llegar a un nuevo continente con una caída al bajar del barco.

César, en el suelo, extendió los brazos y dijo en latín: Teneo te, Africa. Es decir, algo así como ya te tengo, África, cambiando el sentido de la situación de accidente a hecho casi épico. De este modo lo cuenta Suetonio en su Vida de los doce Césares y es uno más de los hechos gloriosos que adornan la vida del general romano.

Desde mi punto de vista César salió airoso si la caída no fue tan clara que nadie tomara la salida del general como una justificación absurda. Ya saben, a veces es mejor quedarse en el suelo, caído, y reírse de uno mismo, que intentar salir del apuro como si nada hubiera pasado y alejarse cojeando ridículamente.

Me puedes seguir en twitter: @vitike
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28 Oct 08:26

August 01, 2013

Holy crap it's August. We're almost in the best part of the year.

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21 Sep 03:10

Colorful Cows from Mexico

Spaik sent us this beautiful piece titled, "The Cow," from Morelia, Mexico.

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29 Jul 01:32

Distance

There are some brilliant moments and a sprinkle of ‘Drive’ in this Gobelins graduate film by Manoury Wandrille, Tom Law, Jonathan Vermersch, Todd Dejong and Etienne Metois. It definitely deserves 3 minutes of your life!

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29 Jul 01:29

Fortune Elephant Dream

It’s really no surprise that Fortune Elephant Dream by Director Olivier Lourry and VFX company Machine Molle has earnt itself the Vimeo Staff Pick badge, it’s excellent work! The lighting, animation, storytelling is all top notch. Watch, now!!

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29 Jul 01:23

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by elbestianegrahd

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28 Jul 06:41

July 20, 2013

COME SEE ME AT SDCC:

Noon: Phil Plait and me at the booth with THE SECRET PROJECT
2pm: Shiftylook Panel at room 28DE

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28 Jul 06:31

EL SEÑOR? AAAAAAAAAAAAAAHHHHHHHHH!

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28 Jul 06:31

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28 Jul 06:30

Love You Good

by twinhenry

via http://www.loveyougood.com/

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28 Jul 06:28

114

by Sephko

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28 Jul 06:28

Visita y conoce Monterrey con BUSco ruta

by Paulo

BUSco ruta es una muy útil y práctica app para Android e iOS que planea rutas de transporte público en el área metropolitana de Monterrey.

Si vas de visita a la ciudad de Monterrey o vives ahí pero necesitas una forma más ágil de moverte por la tumultuosa urbe, entonces necesitas instalar BUSco ruta en tu smartphone Android o iPhone. De manera similar a Google Maps, BUSco ruta te indica la manera más directa y eficiente de llegar al punto A al punto B, ya sea caminando o a bordo de un vehículo automotor. Pero la diferencia – y ventaja – de BUSco ruta es que las rutas planeadas por la app pueden hacer uso del transporte público como el metro, camiones, taxis o una combinación de todos.

unnamed 1024x640 Visita y conoce Monterrey con BUSco ruta

BUSco ruta también te puede indicar cómo llegar a puntos de interés en la ciudad como el Parque Fundidora o los distintos estadios deportivos. BUSco ruta está limitada, por el momento a la zona metropolitana de Monterrey, que incluye Apodaca, García, General Escobedo, Guadalupe, Juárez, Monterrey, Santa Catarina, San Nicolás de los Garza y San Pedro Garza García, pero se espera que próximamente el servicio se expanda a otras ciudades del país.

También, en un futuro próximo, BUSco ruta podrá darte el costo estimado de tu viaje, así como la opción de guardar y compartir tus viajes, pero esas y otras funciones estarán disponibles en futuras actualizaciones. Por lo pronto, descárguenla de su tienda de apps favorita.

Enlace: BUSco ruta

También te recomendamos:

La entrada Visita y conoce Monterrey con BUSco ruta aparece primero en Geek.

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28 Jul 06:24

A Birthday

by Justin Boyd

Sometimes a bunch of squirrels can hang out and be cool about it. But sometimes, they just end up chasing each other around because of acorns or something. Hmmm, I don’t know much about squirrel emotions.

–A WEBCOMIC I LIKE–

This guy makes some great comics. Go check them out!

Here’s one I enjoyed:

Oh man, what’s gonna happen next? Better click the panels to read the rest =)

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28 Jul 06:22

Fuck the police, fuck your hazelnut, fuck you, I’m a cat.

by lepipehd

Fuck the police, fuck your hazelnut, fuck you, I’m a cat.

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28 Jul 06:21

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28 Jul 06:17

Japanese photographer Kouichi Chiba takes beautiful photos that...

Japanese photographer Kouichi Chiba takes beautiful photos that remind us you don’t need expensive or even particularly uncommon supplies to create art that delights and touches people.

Koichi places sweet and playful paper characters in a variety of environments, some natural, some urban, to create charming photos that feel like tender glimpses of a fragile little world existing inside our own that are completely endearing. Whatever they’re doing, naping, undertaking daring adventures, or just walking their dogs, his paper people are enjoying their lives.

Visit Kouichi Chiba’s 500px page to view more of his enchanting photos.

[via My Modern Metropolis]

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28 Jul 06:17